藝術家李梓維 在自然與情感交融中探尋藝術生命力
記者陸侶言 / 臺中採訪報導
在李梓維的作品中，人與自然、情感與技法編織成一幅幅生動而富有深意的畫面。這位年輕的藝術家在台中大雅長大，這片土地的自然景觀賦予了他無盡的靈感來源，成為他藝術創作的基石。
「我家住在台中大雅，這裡雖然有點偏僻，但每次回家經過周邊的自然景物， 我都能獲得一種特殊的感知。」李子維這樣描述他的藝術起點。大雅是小麥生產地區，自然景觀豐富而純粹，這些景象深深影響了他的創作思維。他在大學時期多以風景為主題，運用水彩捕捉光影的變化，並逐步探索自然與人物之間的關係，直至研究所，他開始更深入探討人與自然的互動，並將其轉化為一系列作品，以人物與植物為創作核心。
畫室中李梓維與它的作品。陸侶言/攝
從自然中汲取靈感，從生活中構建作品
李梓維的創作過程從來不是僅僅依靠靈光乍現。他在作品構思上有著一套嚴謹而獨特的方式，特別是人物描繪。他通常會選擇認識的模特兒進行拍攝，「 我畫的模特大多是我認識的人，因為熟悉彼此，我可以從他們的氣質和互動中得到創作靈感。」這種熟悉感能讓模特兒在攝影棚裡更加自然，而他也能通過這種親密的互動，捕捉模特兒的內在特質，並以此構思出富有生命力的藝術作品。
「拍攝時，我會一次拍上數百張照片，因為不同的角度和光影效果能營造出完全不同的氛圍。從大量素材中篩選出那個‘非他不可’的畫面，是我創作的關鍵。」他重視照片中的色調和光影，這些要素對畫面的整體感至關重要。他描述，當模特兒的光線偏冷時，背景的色調若採用偏暖的黃色，兩者之間的衝突會製造一種張力，這正是他在創作中經常考慮的因素。這樣的創作方式結合了他的攝影經驗與豐富的想像力，讓每幅畫作都充滿現實與夢幻交錯的層次。
圖為李梓維（右）和他作品的模特（左）。李梓維/圖
李梓維坦言，藝術創作與市場需求之間的平衡是一個現實問題。「 很多人問我為什麼我的作品以女性為主，這其實與市場有一定關聯。甜美的女性形象確實更容易吸引觀眾，也更容易創造商機。」，他談及也有受到希臘神話的影響，在希臘神話中植物象徵著美，而女性經常作為故事的主角代表這種柔美與自然的聯繫。他認為男性通常被視為更剛強的形象，而他的作品更傾向於柔美的質感。 因此，他選擇女性來表達植物和自然之美，使作品更符合他想要營造的柔和、 寧靜的氛圍。除此之外他指出女性在藝術創作中的象徵意義。他認為女性是生命的締造者，具備孕育生命的特質，這是一種偉大且富有深意的存在。因此， 他希望通過女性形象傳達生命的美好與創造力，讓觀者在欣賞他的作品時能夠體會到一種超越視覺的深層意義。他也強調，自己的創作並非純粹為了市場， 而是出於內心的理想與動機。他在創作之前，必須能說服自己全心投入，「 我的動機必須強烈到能說服自己，這樣我才願意花大量時間和精力去完成一部作品。」
李梓維於展覽中展出的作品。陸侶言/攝
李梓維認為，藝術創作與觀者之間有著一種奇妙的互動。「 當作品完成後，它便獨立於藝術家之外，成為觀者自行詮釋的對象。不同的觀者會有不同的感受， 這也讓藝術變得有趣而豐富。」他舉例說，自己可能設想創造一個甜美的氛圍，但有些觀者可能會解讀出神秘或詭譎的感覺，這種多樣化的反饋讓他發現藝術的多面性和自由度。
在分享他的作畫技巧時，他強調專業技法來營造細膩的氛圍，為了能夠進行細膩的描繪，他首先會對畫布進行特殊處理。他使用水性的打底劑來塗抹畫布表面，然後進行打磨，以確保畫布變得光滑且細緻，這樣能夠讓顏料更均勻地分佈並支持精細的筆觸描繪。 在作畫時，他特別重視畫面氛圍的營造，運用了一種名為「照染技法」 （Glazing）的繪畫技術。這種技法將顏料調得非常稀薄，形成透明的色膜，逐層疊加在畫面上，從而創造出自然的光影效果和豐富的空氣質感。這樣的層疊繪製可以使作品中的色彩更加豐富，並能表達出空氣和氛圍的微妙變化，進一 步提升畫面的深度和氛圍感。李梓維認為，這種技法對於他作品的質感和情感 表達起到了至關重要的作用。
圖為李梓維的作品。陸侶言/攝
李梓維在談及他創作大幅作品的過程時，透露了他的藝術風格和創作哲學。他指出，與許多藝術家不同，他不會事先製作過於精緻的草圖或藍圖，而是更喜歡將作品直接放到大畫布上，讓畫面的發展隨著不斷的自我碰撞和衝突而演變。這種過程充滿著反覆修改和調整，他在創作中尋求一種即時性和直觀的完美狀態，直到找到最符合他期望的畫面效果。
他認為這樣的創作方法帶來的主要挑戰是時間。由於他經常在色彩的運用和細節描繪上反覆推敲，不斷評估每個部分是否足夠豐富，或者哪些地方需要省略來更好地呈現整體氛圍，這使得一幅畫作的完成需要花費極長的時間。他坦言，這與他的個性有關——一種追求完美和細緻的特質，導致他經常面臨時間上的瓶頸。
然而，每當作品完成並能夠在展覽中呈現時，他都感到非常感動，因為每幅畫 都凝聚了他大量的心血與努力，也見證了他在這段漫長而反覆的創作過程中的堅持和情感投入。
不斷探索創作風格
從大學到研究所，李梓維不斷探索與精進自己的創作技法。早期，他主要以水彩創作，強調色彩的光影變化和寫意風格。然而，進入研究所後，他轉向更寫實的創作風格，特別是對人物與植物之間的關係進行細膩描繪加以融合。雖然他的作品都集中在具象寫實的表達上，但他不認為可以用單一風格來定義自己的創作。「 我不想讓自己的作品被過於侷限在某個特定風格中，因為每件作品的 表現方式和意境都不同。」李梓維說，寫實與超現實之間有很大區別，但他的作品往往介於兩者之間，呈現出多樣性和深度。
在藝術生涯的未來展望上，他以自己能將繪畫與教學結合，成為了一名畫室老 師。「 教畫畫是一種穩定的收入來源，讓我能夠更自由地進行創作，而不至於受到經濟壓力的束縛。」有穩定的經濟支撐，作品也會發展得更從容且有創意。 他計劃繼續參加比賽，並與畫廊保持長期合作，這不僅能擴大他的藝術影響力，還能確保他不脫離藝術生態圈。
他談到自己對未來的野心，希望有朝一日能在美術館舉辦個人展覽，（「 我想要與畫廊和文化機構合作，因為這樣能獲得業界的認可。我也希望自己的藝術生涯能達到一個更高的水準，甚至能在美術館裡辦展覽，這是我長久以來的夢想。」這樣的野心不僅驅使他繼續創作，也是他在多元藝術時代中保持活力和激情的重要原因。
對於李梓維來說，繪畫已經成為他生命中不可分割的一部分，（「 我無法保證自己 一輩子都會畫油畫，但在未來的十年內，我不認為我會完全放棄這件事。」繪畫對他而言是一種內心的需求，即使生活需要各種方式來維持生計，繪畫仍是他生活的重心之一，（「 這是一種生活方式，一種表達自我、探索世界的手段。」
儘管藝術之路充滿挑戰，李梓維仍懷抱著對藝術的熱愛與執著，他認為，藝術家的多元化風格和不受限的創作精神，是這個時代最可貴的品質，（「 在這個變化多端的世界裡，藝術的魅力就在於它能夠打破界限、超越自我，這也是我不斷創作的動力。」他的話語中透露出對未來的希望與不懈的追求，也展示了他作為一位藝術家，如何在現實與夢想中不斷尋求平衡與突破。
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